« Pour moi, l’art moderne n’est rien d’autre que l’expression des objectifs contemporains de l’époque dans laquelle nous vivons. » Jackson Pollock (1912-1956)
Voici une question controversée par excellence : qu’est-ce que l’art contemporain ? Si nous analysons le sens littéral de la nomenclature, nous pouvons comprendre que le qualificatif est inhérent à l’art de tous les temps. C’est-à-dire que toute production artistique, de n’importe quelle période, sera toujours « contemporaine » pour ceux qui coïncident avec la même époque. Dans la lignée de la pensée de Pollock, l’art contemporain est celui qui répond à la conscience culturelle du moment, à sa société, aux besoins communs, à l’esprit de l’époque.
Dans cette revendication quasi arrogante qui envahit les théoriciens pour expliquer et recréer des formules de comportement social, nous nous trouvons avec une contemporanéité qui élargit de plus en plus ses capacités d’expression et ses outils d’analyse. C’est pourquoi le concept d' »art contemporain » lui-même a la qualité fascinante d’émerger encore et encore comme sujet de discussion, il est immortalisé face à sa demande constante d’actualisation, et il apparaîtra toujours nouveau.
Avant de commencer à spéculer sur « ce qu’est l’art dans notre monde contemporain », faisons d’abord les mises en garde pertinentes car cet article n’a pas l’intention d’établir un cours magistral sur le sujet, mais plutôt d’apporter une série d’approches qui invitent le lecteur à réfléchir et à en savoir plus. Commençons par reconnaître qu’il existe une grande diversité d’opinions sur l’origine et la sémantique du concept d' »art contemporain », et nous comprenons que cette particularité génère souvent une frustration dans le public qui attend une manière unique et absolue de le définir et de l’interpréter.
Critères historiques pour situer une œuvre comme art contemporain
Pour nous, habitants du XXIe siècle, le terme est plus fréquemment utilisé pour désigner l’ensemble des expressions artistiques qui ont émergé en Occident – plus tard, le développement des communications inclura progressivement le reste de la planète – à partir de la fin du XVIIIe siècle. Il est toujours associé aux concepts de « révolution » et de « rupture des canons ». Pour les spécialistes de la question, il existe trois critères qui permettent de déterminer à partir de quel moment il faut qualifier de « contemporaines » les productions artistiques de notre époque. Ces critères sont : art et époque contemporaine ; art contemporain et avant-garde ; art contemporain et postmoderne.
Dans le premier paradigme se trouve l’art qui coïncide avec ce que les historiens définissent comme le début de l’âge contemporain : la Révolution française (1789-1799). L’art de cette période historique est appelé romantisme, et l’idéologie de ce style s’identifie à la sentimentalité, à la subjectivité, à la recherche de l’individualité et de la liberté.
Pour le deuxième critère, on considérera comme art contemporain les manifestations qui ont émergé au début du XXe siècle, connues aujourd’hui sous le nom d’avant-gardes artistiques historiques ou d’avant-gardes artistiques historiques, parmi lesquelles le dadaïsme, le fauvisme, l’expressionnisme, le cubisme, le futurisme, le néoplasticisme et le surréalisme. Ces courants d’avant-garde se sont distingués en présentant une série d’éléments communs dans leur idéologie, mais pas dans le style. Sur le plan conceptuel, ils partaient de l’intérêt d’innover et d’accorder à l’art une place très différente de celle qu’il avait auparavant.
À travers des idées et des positions qui rompent avec les modèles traditionnels, les artistes de ces mouvements ont remis en question et transcendé l’institution de l’art, parvenant à se consolider grâce à sa nature critique et transgressive. Les artistes d’avant-garde de cette étape ont également une conscience de groupe, ce qui se reflète dans leurs manifestes. Ils ne cherchent plus à imiter la réalité, mais à l’interpréter à travers de nouveaux langages expressifs. C’est pourquoi ils commencent à expérimenter avec la couleur, les formes et la composition, en réévaluant le sens et l’impact des moyens d’expression visuels.
Cependant, le passage du temps, le dépassement des modèles et des normes, l’émergence de nouveaux moyens de communication, impliquent une révision constante de ce que représentent des catégories telles que : classique, moderne ou avant-garde. À la lumière de la troisième décennie du XXIe siècle, les soi-disant avant-gardes artistiques historiques et leurs manifestes, qui étaient si « révolutionnaires » en leur temps, semblent de moins en moins nouveaux et se rapprochent de la galerie des « styles classiques ». Cent ans se sont écoulés depuis la première émergence des avant-gardes, et beaucoup de ces mouvements, comme le cubisme -par exemple-, ne se développent pas actuellement dans des groupes d’auteurs aux idéologies similaires, ou en eux-mêmes ils n’ont pas évolué, donc sous l’optique du XXIe siècle ne proposent rien de nouveau ou d’avant-gardiste. Nous devons comprendre les termes dans leur contexte.
Nous arrivons alors au troisième critère de classification de l’art contemporain, celui qui commence après la seconde guerre mondiale, le début de la postmodernité, que l’on situe généralement entre la fin des années 60 et le début des années 70 du siècle dernier. À partir de ce moment, on peut identifier une « deuxième vague d’avant-garde du siècle », composée de mouvements tels que le pop art, le nouveau réalisme français, l’art conceptuel, le minimalisme, l’arte povera, l’expressionnisme abstrait, l’hyperréalisme, la néo-figuration, les installations, la déconstruction, l’art urbain, la photographie, l’art numérique, entre autres.
Qu’est-ce que l’art contemporain ?
Dans une tentative de généralisation des caractéristiques, nous pourrions dire que dans l’art contemporain coexistent diverses tendances, styles, concepts et manifestes, en groupes et individuellement ; il est également multidisciplinaire, d’où sa polyvalence qui en fait un scénario si complexe et controversé. L’art contemporain a entraîné un changement de paradigmes, de langages et de stratégies. Il n’aspire plus à l’illustration ou à la simple représentation des canons de la beauté classique, ce n’est pas la perspective, ni la recherche de la proportion, de l’harmonie et de la symétrie qui détermine sa suffisance. L’art moderne rompt avec l’iconographie et la symbologie de la rhétorique traditionnelle, très utiles pour interpréter l’art classique, et c’est pourquoi, bien souvent, le spectateur a du mal à décoder une œuvre d’art contemporaine et se demande fréquemment quel est son sens.
À ce stade, analysons deux aspects fondamentaux qui aident à comprendre l’art à toute époque : la technique et le concept artistique. Comprenons que ces éléments sont à leur tour étroitement liés, puisque la technique dépendra du concept ou de l’objectif de l’art. Dans les styles Baroque et Renaissance, par exemple, il n’y a pas beaucoup de différences en termes de thèmes et de dynamique autour de l’art, du but et du concept de ce qu’est l’artiste. Nous constatons alors que, peut-être la principale caractéristique qui définit ou marque un avant et un après de l’art des soi-disant « avant-gardes », est l’impulsion pour redimensionner le but et le rôle de l’art et de l’artiste : le passage de l’artisan à l’artiste.
Le créateur contemporain veut dire quelque chose, il veut rompre, et fonder un discours d’impact social, politique et systémique. Si avant l’avant-garde, les artistes faisaient plaisir au mécène (qu’il s’agisse d’une personne ou d’une institution) et y exprimaient inévitablement leur façon particulière d’aborder un certain thème, l’artiste contemporain fait de son individualité et de son monde intérieur le thème de son œuvre. L’art contemporain transcende la simple fonction décorative ou éducative et part de l’insatisfaction, de l’agitation et de la curiosité, canalisées dans les directions et les thèmes les plus divers.
Nous avons vu comment les mouvements de rupture et de rejet ont marqué le fil rouge de l’histoire de l’art, et comment les institutions officielles de légitimation et autres hiérarchies protectrices de l’art ont déterminé dans une large mesure, et de manière monopolisée, ce qu’était l’art. Les artistes, pour leur part, ont été divisés entre ceux qui souscrivent aux règles et ceux qui les affrontent, ces derniers étant ceux qui ont généré et consolidé de nouveaux styles et pratiques. Les groupes qui ont maintenu leur position réactionnaire et isolée devant l’establishment ont finalement réussi à prendre le contrôle des institutions.
Cependant, depuis les dernières décennies du 20ème siècle, des changements encore plus significatifs ont été observés dans le comportement de tous les facteurs qui composent l’univers de l’art. Les structures de légitimation, ainsi que les artistes et le public, ont assoupli certaines attitudes et postures, conditionnées par des facteurs économiques, technologiques et générationnels, en s’adaptant à la dynamique de la société moderne, ce qui a sans doute radicalement influencé la manière de concevoir et de comprendre l’art contemporain.
L’artiste contemporain en tant que produit artistique
Depuis le domaine de la sociologie, on peut analyser les nouvelles projections que l’artiste contemporain établit avec l’art, en définissant l’activité créatrice en elle-même comme une œuvre d’art, et qui à son tour établit l’auteur, le processus et le catalogue, le tout comme un produit artistique. Il s’agit de relations dynamiques, complexes et inédites où l’artiste se définit fréquemment par une activité multidisciplinaire, bien qu’il conserve sa spécialisation dans certains profils. Dans ce phénomène improbable, nous trouverons le rôle du producteur, qui finirait parfois par être aussi une sorte de co-auteur. Le cas de l’artiste espagnol Salvador Dalí (1904-1989) sert à illustrer ce qui précède.
Nous aurons également dans ce contexte transgressif l’artiste autogéré qui domine et manipule les codes de diffusion et de commercialisation de l’art. A partir de ces positions, de nouvelles formes de créativité sont générées qui dépassent la marge de la création artistique traditionnelle, en incluant aussi activement le public dans ladite production. La figure de l’auteur est dépliée et parfois brouillée. L’artiste peut se placer dans une position intermédiaire entre la production commerciale et la valeur culturelle, ou bien il peut pencher vers l’un de ces extrêmes sans en abuser. L’artiste contemporain se définit donc par la position qu’il prend sur ces bords, et en termes d’engagement social.
Le message et la technique dans l’art contemporain
Pour les artistes contemporains, le message est la chose la plus importante, et la technique ou les ressources en elles-mêmes ne définissent pas la valeur de ce message ou de l’œuvre d’art. Le préciosité ou la virtuosité technique seront admirés dans l’art contemporain presque exclusivement par les adeptes de l’hyperréalisme. Dans ce panorama, les nouveaux artistes modernes se tournent vers la culture, le langage cinématographique, la publicité, le journalisme, tout ce qui les entoure, comme une boîte à outils avec laquelle ils peuvent « utiliser » le monde et créer des complexes de significations.
Dans le cadre de l’art conceptuel, l’une des tendances les plus controversées, nous avons vu des artistes comme Félix González-Torres (1957-1996) concevoir de véritables chefs-d’œuvre, d’une grande sensibilité, avec des matériaux à usage domestique ou similaire. S’il est vrai que l’artiste est un personnage doté d’une intelligence aiguë pour aborder des questions complexes, il existe une frange délicate au sein de la liberté de l’art contemporain, et plus précisément de l’art conceptuel, où parfois l’idée elle-même est révérée, et l’on abuse de l’exclusivité du « copyright », tandis que la manière d’exprimer cette idée recourt parfois à la simplicité, suggérant que le simple fait de penser pourrait être exclusif et une excuse suffisante pour faire de quelqu’un un artiste, ou une pensée dans l’art.
L’art moderne : L’art des incompris ?
Toute cette déconstruction de la rhétorique de l’art signifie que l’art de notre époque est une liberté absolue d’expression et une liberté absolue d’interprétation. Nous trouverons le libre arbitre et les barrières coexistant avec la production contemporaine, à laquelle de nombreux spectateurs ne peuvent accéder en termes de compréhension et d’identification. Parfois, nous verrons l’artiste se proclamer et s’appeler ainsi, et d’autres fois, il ne cherche qu’à se connecter à un public très spécifique. Ce créateur se positionne sur un niveau de supériorité intellectuelle en se reconnaissant comme un être qui pose des problèmes et des conflits existentialistes, philosophiques ou politiques, et qui est capable d’exprimer ces questions de manière métaphorique, indépendamment de la qualité ou de l’intérêt esthétique de cette « métaphore ». Ainsi, il s’isole dans son individualité, prend le contrôle absolu de sa création en se montrant critique et juge de son propre travail et du monde : « mon art n’est pas pour tout le monde » ou « je suis incompris par mon temps » .
Cependant, le rôle du public dans l’art contemporain est beaucoup plus actif et polyvalent, constituant l’un des changements les plus radicaux dans l’équation de l’art contemporain. La dynamique de fonctionnement de la société moderne favorise une interaction spontanée et réciproque entre le créateur et le consommateur, permettant au créateur d’être aussi un consommateur et vice versa. En même temps, nous verrons que cette approche facilitera le fait que le grand public, la population, est désormais aussi un légitimateur de l’art, et pas seulement les institutions telles que les musées, les galeries et autres sponsors parmi lesquels se trouvent les critiques, les collectionneurs, les marchands et les nouveaux riches. Nous sommes face à un nouveau système de communication qui donne le pouvoir aux communautés, aux quartiers, à un secteur du marché, à une classe sociale ou à une région socioculturelle, de déterminer qui est un artiste. Ce phénomène représente pour le créateur la possibilité de définir son propre public et de maintenir un contact direct avec lui, physiquement ou virtuellement.
L’art est une chronique de son temps
Le théoricien Jacob Burckhardt a compris l’art et les autres productions humaines comme un lien dans l’histoire de la culture. Selon Burckhardt, l’art de chaque période est l’expression la plus complète de l’esprit dans lequel il est produit, non étranger à la religion, à l’État ou aux intérêts du capital. Tout influence ses manifestations, étant ainsi coresponsable du développement de l’histoire elle-même. À partir des grandes crises économiques, nous avons vu les artistes contemporains jouer un rôle actif en faveur de l’art et de leur propre existence, en établissant d’habiles stratégies d’autopromotion qui se sont consolidées au cours des dernières décennies. De cette façon, des éléments du marketing, de la publicité et des médias ont été incorporés au système artistique, dans le but de générer des controverses sociales, et parfois une attention médiatique excessive sur leurs propositions artistiques, atteignant même que de nombreux artistes contrôlent leur propre marché.
D’autre part, dans son ouvrage La Troisième Vague, le sociologue Alvin Toffler, souligne comment les plateformes technologiques et les prosommateurs (consommateurs qui agissent également en tant que producteurs) ont déplacé la publicité et les médias traditionnels (radio et télévision) autour des habitudes de consommation. Cela s’applique également à l’art, aux artistes, à leur public et aux institutions de légitimation. L’Internet a permis une nouvelle forme d’art collectif, remettant en question les concepts esthétiques, sémiotiques et d’auteur. Au cours du 20ème siècle, l’art a cédé sa paternité, d’abord à l’inconscient, puis à des groupes polyautoraux, aujourd’hui nous voyons cette tendance dans un art collectif. L’Internet, comme toute autre technologie aux mains de l’homme, admet du brillant et du sophistiqué au banal et au hasard, mais dans tous les cas, il est indiscutablement créatif. Cependant, l’artiste court le risque de tomber dans l’erreur des générations passées qui, séduites par l’exploration des nouveaux médias, se sont laissées définir par eux, au lieu de permettre des évocations poétiques qui deviendraient des créations au contenu substantiel et autonome.
Comme l’a dit un jour Oscar Wilde : « Définir, c’est limiter », et parfois, essayer de qualifier si une certaine œuvre contemporaine est de l’art ou non peut être un exercice à haut risque en raison des discussions qu’il peut générer. Il est assez fréquent de nos jours de trouver des artistes qui parviennent à s’imposer malgré les mauvaises critiques, en maîtrisant les codes des mécanismes de fonctionnement modernes du Système de l’Art et de sa nature mercantile et spéculative marquée. L’outil le plus efficace pour distinguer entre l’art et l’artisanat, ou entre le prestige artistique et le prestige commercial, sera toujours la connaissance, et le passage du temps validera la solidité d’une œuvre d’art car elle peut être relue pendant plusieurs générations. Alors, l’invitation est faite pour que toute cette subjectivité ne nous prive pas de profiter de l’expérience et du défi que l’art contemporain représente pour nos esprits.
